DPA

En la España de mediados de los años 70, con el fin del régimen franquista, se inicia un nuevo período de democratización conocido como ‘Transición’. Este proceso abre una década de políticas que condujeron estratégicamente las diferentes manifestaciones culturales españolas, desde lo subversivo hasta lo institucional.

En el campo de la arquitectura, la crisis del movimiento moderno y el surgimiento de una generación joven que, desde una interpretación de los postulados conceptualistas, propugnaba la confluencia entre arquitectura, arte y diseño, promovieron una serie de prácticas expositivas que fomentaron la vocación cultural del hecho arquitectónico. Especialmente en la capital.

El objetivo de esta tesis es demostrar que las exposiciones de arquitectura, y los entornos en los que se desarrollaron, actuaron como dispositivos de mediación que intervinieron directamente en lo que denomina “la formación de la cultura arquitectónica de Madrid”, es decir, el sistema de relaciones y elementos distintivos peculiares da través de los que se fue identificando la arquitectura madrileña paralelamente al proceso de transición democrática. En un primer período como recursos de transgresión y contra-producción de ideas, (1974-1982) para luego convertirse en agentes políticos útiles en la construcción de una nueva imagen del país hacia el exterior. (1982-1984)

Las políticas culturales continuistas1 de los años inmediatamente posteriores a la muerte de Franco, favorecieron que los aspectos más relevantes de este cambio de conciencia cultural en el campo de la arquitectura se canalizaran a través de las galerías. Su mezcla de neutralidad y cosmopolitismo les permitió promover nuevas formas de acción y convergencia entre creadores de diferentes campos a través de una amplia gama de eventos y formatos.

Esta concepción intelectual de la arquitectura, más allá del objeto construido, marca el origen de la posmodernidad en la escena local, y apunta a las galerías como el lugar donde se discutieron las crisis de los espacios tradicionales de la práctica arquitectónica como la Escuela, el estudio o el Museo.

La incipiente sensibilidad posmoderna moldeó críticamente la arquitectura de forma triple: brindando una alternativa al proyecto construido; explorando una nueva cultura espacial y visual como plataformas discursivas; y contribuyendo a la extensión del papel del arquitecto más allá de sus límites tradicionales al promover su expansión a otros campos, como los medios de comunicación, el arte, la política o la ciencia.

Como subrayan estudios recientes, este nuevo conjunto de relaciones internacionales y conciencia mediática se transfirió a exposiciones de arquitectura y publicaciones asociadas, extendiendo la imagen de la arquitectura española más allá de nuestras fronteras. Dicha conciencia acabó por activar estos espacios ya sea como aparatos independientes de confrontación y producción de significados, como laboratorios de investigación, o como escenarios de representación.

La presente investigación tiene, como principal objetivo, la creación de un sistema de análisis y diagnóstico, sobre la vivienda colectiva europea basado en la catalogación y mezcla — sampleo — de sus principales condiciones contemporáneas, estableciendo los parámetros desde los cuales nos sea posible generar una herramienta —operativa, abierta y transmisible— desde el ámbito del proyecto arquitectónico. Por ello, estudiamos los 20 años precedentes a la crisis inmobiliaria de 2007, coincidentes con la generación de la Unión Europea y de un mercado y marco legal común europeo. Así, desde 1987 a 2007, trazaremos un mapa argumental cruzando los momentos de aparición de las diferentes oficinas municipales en materia de vivienda pública, los cambios en la legislación sobre dicha producción, y la creación de códigos de la edificación estatales en las cinco principales capitales de Europa objeto de estudio: París, Helsinki, Ámsterdam, Madrid, y Berlín. Los criterios para la elección de estas ciudades responden a la contextualización de las cinco principales condiciones que creemos, abarcan un completo estudio para nuestra investigación, y escenifican respectivamente, las siguientes condiciones: Adaptabilidad, Sostenibilidad, Conectividad, Habitabilidad y Sociabilidad.

El edificio y el vestido son pieles inmediatas habitables que difieren en su escala y en su materialidad pero que hablan lenguajes idénticos con respecto a la relación espacial que comparten con el usuario.

En la era previa a la modernidad, se habían disuelto las bases tradicionales de la moda y de la arquitectura. El arte y la cultura le proponen nuevas vías exploratorias de ordenación persuadidas por una práctica de interacción de nuevas disciplinas. Con la exposición explicativa del medio, se muestra esta maniobra tendente de intercambio y de fusión entre las obras industriales, plásticas, culturales, indumentarias y arquitectónicas.

En la exposición de la obra de Coco Chanel y de Le Corbusier se manifiesta la transcripción de las repercusiones conceptuales del periodo del tiempo expuesto. Se propone una conversación entre Moda y Arquitectura sobre habitaciones accesibles, en la relación entre la producción y el habitar, envases transparentes, en la relación entre forma y espacio interior y materiales habituales que se lleva a cabo con el diálogo entre las obras de Coco Chanel “El Ford de Chanel“ (1926), “Le charming chemise dress” (1916) y “El collar de perlas de Romanov” (1922) y las obras de Le Corbusier:  Pessac (1925), el “Maison Ozenfant” (1922), los Urbanisation de la villa d´alger (1930)

La presente investigación pretende reflexionar sobre la formación y la producción de lo que se ha venido en llamar el Taller de Juan Borchers. El arquitecto y teórico chileno, que da nombre a esta organización, dedicó su tiempo al estudio y a la reflexión crítica sobre las ciencias, las artes y la percepción de la realidad física. En su recorrido vital e intelectual encontramos una gran cantidad de intereses y referentes que contribuyen a configurar una figura poliédrica y compleja. Los objetivos pasan por probar cómo se acaba construyendo un pensamiento arquitectónico a través de la herramienta comunicativa de la carta. Este sistema epistolar genera un método de trabajo que concluye con la elaboración y la utilización de lo que Borchers llama la “Serie Cúbica”. Es voluntad de este trabajo reivindicar el ideario y las enseñanzas del Taller de Juan Borchers, así como generar la inquietud que posibilite el acercamiento hacia su obra y pensamiento.

En un mundo acuciado por el cambio climático, la investigación plantea el concepto de ‘Recarga Termodinámica’: una forma alternativa de operar sobre el patrimonio construido en la cual, frente a los criterios habituales de intervención sobre este, se propone la recuperación y puesta en valor del mismo desde un enfoque termodinámico, reivindicando en el proceso el clima, la memoria o la cultura material como herramientas de intervención.

Dado el variado patrimonio edificado existente, el trabajo se focaliza en el de carácter industrial, buscando responder a la pregunta de cómo puede proyectarse sobre el patrimonio industrial a través de una condición termodinámica. Así, en el proceso se revelarán una serie de estrategias de intervención de carácter ambiental con las que poder proyectar sobre dicho patrimonio en particular y, en última instancia, de cualquier índole en general, consiguiendo así su transformación a todos los niveles: desde lo energético hasta lo funcional, pasando por lo estético, lo espacial o lo simbólico.

De este modo, la investigación se concibe como una tesis especulativa de carácter holístico, propositivo y herramental que reivindica un modelo alternativo y sostenible de intervención sobre lo existente, entendiéndose el catálogo estratégico propuesto como una suerte de ‘caja de herramientas’ a disposición de todos aquellos interesados en aproximarse al proyecto de arquitectura desde un enfoque respetuoso y atento con el medioambiente y la historia.

La tesis se define como una historia ilustrada de pavimentos que reflexiona sobre la condición del suelo como huella fenomenológica, como registro arqueológico y como plano de referencia. El texto aborda el estudio del pavimento como arquitectura de contacto, como arquitectura condensada o en su condición infraestructural; y también en su dimensión espacial, o en su composición formal.

La tesis construye un diálogo comparado entre épocas diversas estableciendo como hilo conductor el pavimento y su relación con el resto de elementos que conforman el espacio arquitectónico. El ámbito de estudio se centra en algunas obras del siglo XX que abarca algunos ejemplos de la modernidad ortodoxa, pero sobre todo algunas obras seleccionadas de la segunda generación del Movimiento Moderno.

El texto analiza cómo el suelo pavimentado se convierte en un elemento que participa en la génesis del proyecto moderno. El suelo pavimentado puede ser considerado como una arquitectura condensada con espacialidad propia ya que se trata de una superficie que, a falta de cobijo, ya presagia un lugar. Esta idea de suelo-espacio, sitúa al plano del suelo pavimentado en una dimensión que va más allá de ser un silente elemento arquitectónico estático.

La tesis aborda, desde una condición fenomenológica, la relación íntima que establecemos con el plano del suelo pavimentado a través del tacto —con los pies, con las manos o con el cuerpo—; pero también a través de la vista y del oído. El suelo nos convoca cada día en su infinita extensión, y a veces olvidamos donde se posan nuestros pies. Los pavimentos desempeñan un papel fundamental en la percepción de un lugar debido a su textura, su color, su espesor, su materialidad, su rugosidad, su sonoridad o su temperatura.

En el texto se defiende la sensualidad táctil del suelo frente a la cultura estrictamente visual que el siglo XX, a través de la imagen, ha intentado imponer. Se pondera la construcción artesanal y popular de los pavimentos frente a la prefabricación industrializada universal. Esta afiliación a lo erótico, a lo imperfecto y a lo áspero, permite un acercamiento desde lo humano, ya que el suelo puede considerarse como una arquitectura de contacto.

La tesis estudia la condición del suelo pavimentado como traza arqueológica. Cada pisada sobre su superficie nos remite a una huella de su memoria, a un pasado reciente; y cada nuevo paso presagia un porvenir inminente, un futuro inesperado. El desplazamiento sobre un pavimento permite reconocerse inmerso en un campo de juego que establece vínculos con el espacio y con el tiempo.

El texto estudia la presencia del pavimento en el espacio imaginado de la pintura, en la fotografía, en la literatura o en el cine; y analiza la evolución de la representación gráfica del pavimento a lo largo de la historia. desde la aparición de la perspectiva en el Renacimiento, los suelos dibujados en el espacio pintado figurativo, hasta los recursos gráficos empleados por los arquitectos de la modernidad, los artistas vinculados al land-art, el expresionismo abstracto o la producción gráfica de la cultura pop de la década de 1960, entre otros.

La tesis se divide en dos bloques. En los diez primeros capítulos (Bloque I. Referentes) se desarrollan reflexiones en torno a temas diversos en relación con el suelo con ejemplos de todas las épocas que exploran diferentes conceptos: huellas y memoria, escala y forma, dibujo y representación, fenomenología y pies, cuerpo y placer, densidad y poder, círculos y paisaje, comunicación y señales, inclinación y naturaleza, y alfombras y superposiciones. En los cinco capítulos finales (Bloque II. Casos de estudio) se analizan críticamente algunos casos de estudio centrándose en algunas obras del siglo XX: Mies van der Rohe y el suelo como plano de referencia, Gio Ponti y el optimismo del color, Carlo Scarpa y las metáforas venecianas, Gunnar Asplund-Los Smithson y los lugares intermedios, y finalmente, Alvar Aalto-Dimitris Pikionis y la arqueología del fragmento.

El formato de la tesis se presenta como un atlas de pavimentos ya que, incluidas entre los ensayos, se intercalarán unas láminas donde una constelación de más de 3000 imágenes (collages), de distintas disciplinas y procedencias, apoyarán, con un lenguaje visual, el discurso teórico y crítico del trabajo de investigación. Por tanto, la tesis se presenta como una memoria crítica visual, un glosario que sirva de guía a quien decida hoy proyectar y construir arquitectura contemporánea.

Frente al enunciado de la arquitectura como el arte del espacio predicado por parte del movimiento moderno a lo largo del siglo XX, la imprescindible circunstancia espaciotemporal propia de la realidad en la que tiene lugar y que es modificada a través de su presencia convierte en inevitable la consideración de la disciplina arquitectónica como práctica conjunta que se desarrolla en el espacio y en el tiempo. Así, en las últimas décadas, distintas aproximaciones han cuestionado la cualidad espacial como criterio único de validación arquitectónica, configurando un cuerpo teórico y práctico que, aunque heterogéneo, coincide en afirmar su indispensable condición espaciotemporal desde una profunda revisión de las nociones de espacio y de tiempo. Entre estas aproximaciones, la aplicación del concepto de cronotopo —enunciado por Mijaíl Bajtín como aquella vinculación indisoluble entre unas relaciones espaciales y unas relaciones temporales asimilada a partir de la forma en la creación artística— se ha utilizado para describir una arquitectura cronotópica donde la forma del lugar surge como una unión inextricable de un espacio y de un tiempo. Entre estas arquitecturas cronotópicas, la obra de Enric Miralles propone superar la relación de subordinación del tiempo al espacio mediante una utilización consciente de esta capacidad de la forma para expresar diferentes condiciones del tiempo en un mismo lugar. Entre sus obras, el proyecto del parque-cementerio de Igualada, diseñado y ejecutado en coautoría junto con Carme Pinós, constituye un ejemplo del empleo de esta capacidad cronotópica de la forma. Partiendo de una interpretación trilógica de la realidad de la forma en el espacio y el tiempo del mundo, de la experiencia, y de la mente, esta tesis doctoral examina su posible circunstancia como cronotopo en el parque-cementerio de Igualada, extrayendo una serie de rasgos que se contrastan con su uso en varias intervenciones artísticas, examinando aquellas consecuencias que su interdependencia ocasiona sobre el propio espacio y sobre el propio tiempo y planteando una respuesta ante la pregunta formulada por Miralles ¿De qué tiempo es este lugar? Una pregunta que, aunque pertinente, no puede tener, sin embargo, una respuesta unívoca en la realidad múltiple de la forma.

Este trabajo de investigación recorre ocho obras de cuatro arquitectos europeos, Dimitris Pikionis, Sigurd Lewerentz, Francesco Venezia y Álvaro Siza, estableciendo análisis y reflexiones sobre cómo las herramientas de la arquitectura son capaces de articular la experiencia temporal que acompaña al visitante. Esa experiencia sobre el tiempo no solo incluye la del propio recorrido que acontece en la visita, sino que se amplia en cada uno de los ejemplos elegidos hacia una expresión temporal que relaciona la obra con su significado. Las herramientas de trabajo de estos arquitectos varían de acuerdo a las ideas que pretenden mostrarnos. En los accesos a la Acropolis y Filipappou, los pavimentos son capaces de narrarnos mediante sus articulaciones la importancia de la historia en la cultura Helénica. En los recorridos de los cementerios de Malmö y Estocolmo existe una intermediación entre el tiempo de despedida a los seres queridos y la propia representación del curso de la vida. En el teatro de Salemi y el museo de Gibellina está presente la memoria de la transformación topográfica producida por la acción de la energía de la tierra. En las obras de Siza, la Escuela de Arquitectura de Oporto y los jardines de Bonaval, los recorridos materializan la propia experiencia perspectiva del arquitecto. La investigación es también un libro sobre viajes y una reflexión sobre la cultura europea que tiene un deliberado interés en mostrar un amplio panorama geográfico, que incluye al paisaje nórdico, tan bien representado por Lewerentz en sus cementerios; la influencia de oriente presente en la obra de Pikionis; la importancia de la tradición Mediterránea en las obras de Venezia y la cultura atlántica presente en la obra de Siza. En estos ocho recorridos se describe el lenguaje narrativo de estos itinerarios y su carácter monumental, estableciendo una continuidad entre historia y territorio. Este trabajo de investigación nos muestra cuánto la narración temporal y su diseño ha impregnado el discurso arquitectónico moderno, mostrándonos algunas de las experiencias arquitectónicas de mayor valor poético de la posguerra.

La tesis se inscribe dentro del debate acerca de ¿cómo iniciar el aprendizaje de la arquitectura?, específicamente, ¿qué tipo de ejercicios utilizar al inicio del primer curso de proyectos? Como punto de partida, se distinguen tres enfoques: el primero, los profesores que utilizan proyectos desde el inicio; el segundo, los profesores que consideran que, antes de iniciar la práctica del proyecto, los estudiantes deben comprender y manejar una serie de principios básicos de diseño y composición visual comunes a varias disciplinas artísticas y proyectuales. La tesis estudia una tercera posibilidad ya explorada de modo fragmentario en ciertas prácticas docentes en los últimos años y que hasta ahora no ha sido investigada a fondo. Se trata de ejercicios de taller elaborados específicamente para la enseñanza de la arquitectura que tienen la particularidad de separarse de la actividad tradicional del arquitecto sin derivar exclusivamente en tareas de composición visual. Como hipótesis se plantea, por un lado, que estos ejercicios están conformados por redes de acciones, interacciones, saberes, herramientas didácticas, espacios y tiempos que facilitan en su interior el desarrollo de conocimientos y habilidades propias de la arquitectura. Por otro lado, que la disposición de sus elementos, sus mecanismos de funcionamiento y sus objetivos se pueden analizar y comprender por medio de la adecuación del concepto de dispositivo a la pedagogía inicial de proyectos arquitectónicos.