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La vivienda social –en serie, mínima y racional– es, seguramente, el campo en el que se concentran las aportaciones más radicales e innovadoras de la arquitectura del Movimiento Moderno, y en el que se produjo un corpus de investigación más específico que sigue empleándose como referencia fundamental para proyectar la vivienda contemporánea. Aunque organizaciones internacionales como ICOMOS y DOCOMOMO han reclamado la importancia de conservar los conjuntos más emblemáticos como piezas fundamentales de la memoria arquitectónica y urbana de la ciudad, sólo una pequeña parte de la vivienda social europea del siglo XX goza de una protección legal que garantiza su conservación. La necesidad de proteger y preservar este patrimonio sigue siendo cuestionada y está lejos aún de ser asumida de forma unánime, no sólo por la sociedad, las administraciones y otros agentes implicados, sino también por una parte del colectivo de los arquitectos. Como consecuencia, en los últimos años, la obsolescencia funcional y material de muchos de estos conjuntos, unida a una imagen pública estigmatizada, ha provocado bien transformaciones profundas e incontroladas por parte de los habitantes que afectan a su concepción e imagen originales, o directamente su derribo y posterior remplazo por un tejido residencial convencional. De todos los nuevos desafíos que plantea la restauración y conservación de la arquitectura moderna, la vivienda social es, probablemente, el tipo más frágil, complejo y contradictorio sobre el que articular un vínculo convincente entre los valores urbanos y arquitectónicos originales y las demandas del habitar contemporáneo. Precisamente en este difícil nodo de intersecciones se reconoce un sector estratégico de exploración y generación de conocimiento específico sobre el proyecto de vivienda. Ante la combinación paradójica que aúna el binomio casa-patrimonio, se propone la transformación como motor del proyecto de intervención capaz de recontextualizar estos conjuntos fomentando que las principales polaridades asociadas a dicho binomio –permanente-temporal, universal-genérico, extraordinario-ordinario, singular-repetitivo, público-privado, etc.– se puedan combinar y activar mutuamente. En base a esta premisa, se defiende como hipótesis de partida un concepto de patrimonio que permita la evolución y que, por tanto, rechace la conservación entendida como una protección de imágenes congeladas en el tiempo, disociadas de los intereses sociales y de las estructuras con las que se relacionan en el momento presente. En consecuencia, se propone romper con las dos posiciones extremas que el acercamiento a la arquitectura moderna suele generar, que o bien se mira con un entusiasmo ciego y en ocasiones acrítico o, por el contrario, produce una actitud de condena, lejanía y desprecio. Frente a estos dos polos opuestos se plantea una tercera vía que propone observar la herencia residencial moderna a través del prisma del pensamiento contemporáneo, aprendiendo de ella y potenciando sus valores intrínsecos en lugar de borrarla o disimular sus carencias. El trabajo se concentra así en tres de los elementos paradigmáticos de la investigación moderna de consecuencias ineludibles para la ciudad contemporánea: el tapiz verde continuo bajo los edificios, la calle elevada y los espacios intermedios, y la célula mínima. En ellos se conectan valores del pasado con anhelos del presente, pero también con los principales problemas de estos conjuntos derivados del paso del tiempo, en tres escalas sucesivas. Tras ellos reside una oportunidad para el arquitecto contemporáneo que en esta tesis se asume como propia desde la convicción de que en ellos se encuentra la respuesta al problema, la clave del proyecto de transformación. En última instancia, se aspira a demostrar la importancia de dialogar activamente con estas tres piezas esenciales de la vivienda social moderna y de mantener su presencia física en la ciudad contemporánea como elementos que aportan riqueza y diversidad al tejido urbano y social. Evidentemente, muchas de las actuaciones específicas aquí estudiadas no son extrapolables de forma literal a todos los barrios de vivienda social modernos, pero el discurso que conduce a ellas, en gran medida sí lo es. El objetivo principal es buscar y definir los conflictos y oportunidades que se encuentran en el ejercicio de intervenir sobre este joven y singular patrimonio habitado. Con este fin, la elección de casos de estudio parte de la tradición y el interés compartido entre Madrid y las ciudades del Randstad por el proyecto de vivienda social moderno, con la voluntad de aprender desde España del largo camino ya recorrido por los holandeses en la recuperación y adaptación del patrimonio residencial moderno. Todos los proyectos analizados, desde Kiefhoek en Róterdam hasta Bijlmermeer en Ámsterdam, pasando por el poblado dirigido de Entrevías y la Unidad Vecinal de Absorción de Hortaleza en Madrid, demuestran ser testimonios clave de la investigación moderna en vivienda económica, una investigación que se considera todavía abierta.

El 29 de marzo de 2015 se inauguraba la exposición «Latin America in Construc¬tion: Architecture 1955-1980», una muestra que, según los comisarios, evidenció la originalidad de la arquitectura y la planificación urbana de una vasta región durante veinticinco años. Este trabajo implicó una investigación de cinco años que movilizó toda la maquinaria del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) para explorar, identificar y exhibir más de 825 documentos originales nunca antes reunidos en un mismo espacio. A su vez, los comisarios Barry Bergdoll, Jorge Francisco Liernur, Carlos Eduardo Comas y Patricio del Real, construyeron un nuevo discurso en torno a la arquitectura de América Latina que relacionó a profesionales de todo el continen¬te produciendo una nueva base epistemológica para futuras investigaciones. Dicho discurso vino a contradecir y repensar las críticas hechas por los historiadores de la arquitectura del siglo pasado. De esta manera, sumó al debate internacional un perio¬do histórico de una región antes eclipsada por otras ideas arquitectónicas con mayor interés y difusión. La presente tesis doctoral hace una revisión crítica de la exposición con el obje¬tivo de enriquecer y construir diversos puntos de vista en torno a la museografía y a la arquitectura de América Latina entre 1955 y 1980. Se divide en seis capítulos: el primero es un acercamiento al estado de la cuestión de la difusión de la arquitectura de América Latina en relación con la línea histórica del MoMA desde 1929 hasta la actualidad. El segundo se dedica a la política del Departamento de Arquitectura, con sus exposiciones más influyentes en el medio y la escasa atención que recibió la ar¬quitectura de América Latina. En el tercer capítulo se analizan las dos exposiciones: «Brazil Builds» (1939) y «Latin America since 1945» (1955), y su estrecha relación con los intereses del Departamento de Estado de Estados Unidos. Posteriormente, en el cuarto se analiza el rol de los comisarios y el método del proceso expositivo, identifi¬cando los criterios de selección de las obras expuestas. El capítulo quinto establece un análisis de los recursos expositivos a través del espacio y de la disposición de las obras. El sexto es un estudio de las críticas que recibió la exposición y como esta fue representada en los medios de difusión digitales. Finalmente, las conclusiones tratan de demostrar las relaciones entre los agentes implicados en la exposición para esta¬blecer estrategias expositivas que el MoMA llevó adelante a la hora de representar y difundir la arquitectura del continente. La tesis incluye entrevistas a los comisarios, planos y alzados de la exposición realizados exprofeso por el autor, que dan un paso más en el estado de conocimiento sobre el tema y que hacen de esta investigación teórico-práctica un medio para seguir avanzando en este amplio y diverso campo de trabajo que abarca los modos de contar y difundir la arquitectura de América Latina, la historiografía, la museografía y la crítica contemporánea.

El término italiano studiolo, que no tiene equivalencia en castellano, se refiere a un lugar para retirarse y pensar, para dedicarse a una búsqueda intelectual y a la contemplación del arte. Eran a menudo decorados con representaciones simbólicas del mundo y pretendían contener en ellos todo el conocimiento. Estaban fuera del recorrido principal de los palacios, casi secretos y de reducido tamaño, refugios diseñados a la medida de su habitante. Aunque el origen de este espacio tiene lugar en el Renacimiento, es un espacio presente hasta la actualidad.
La propuesta de tesis presenta el espacio del studiolo, ya estudiado como fenómeno histórico, como una materialización de la mente de la persona. Un lugar inseparable de su usuario y fuera de las necesidades físicas y del programa funcional, en el que, a través de diferentes procesos arquitectónicos de apropiación del espacio, todo empieza a funcionar como un sistema cerrado en sí mismo en torno al universo interior del individuo.
La investigación pretende recuperar y actualizar este espacio, sacar a la luz sus cualidades más profundas, aquellas que están por encima de los datos vacíos, y reconocer otros muchos casos a lo largo de la historia.

En la España de mediados de los años 70, con el fin del régimen franquista, se inicia un nuevo período de democratización conocido como ‘Transición’. Este proceso abre una década de políticas que condujeron estratégicamente las diferentes manifestaciones culturales españolas, desde lo subversivo hasta lo institucional.

En el campo de la arquitectura, la crisis del movimiento moderno y el surgimiento de una generación joven que, desde una interpretación de los postulados conceptualistas, propugnaba la confluencia entre arquitectura, arte y diseño, promovieron una serie de prácticas expositivas que fomentaron la vocación cultural del hecho arquitectónico. Especialmente en la capital.

El objetivo de esta tesis es demostrar que las exposiciones de arquitectura, y los entornos en los que se desarrollaron, actuaron como dispositivos de mediación que intervinieron directamente en lo que denomina “la formación de la cultura arquitectónica de Madrid”, es decir, el sistema de relaciones y elementos distintivos peculiares da través de los que se fue identificando la arquitectura madrileña paralelamente al proceso de transición democrática. En un primer período como recursos de transgresión y contra-producción de ideas, (1974-1982) para luego convertirse en agentes políticos útiles en la construcción de una nueva imagen del país hacia el exterior. (1982-1984)

Las políticas culturales continuistas1 de los años inmediatamente posteriores a la muerte de Franco, favorecieron que los aspectos más relevantes de este cambio de conciencia cultural en el campo de la arquitectura se canalizaran a través de las galerías. Su mezcla de neutralidad y cosmopolitismo les permitió promover nuevas formas de acción y convergencia entre creadores de diferentes campos a través de una amplia gama de eventos y formatos.

Esta concepción intelectual de la arquitectura, más allá del objeto construido, marca el origen de la posmodernidad en la escena local, y apunta a las galerías como el lugar donde se discutieron las crisis de los espacios tradicionales de la práctica arquitectónica como la Escuela, el estudio o el Museo.

La incipiente sensibilidad posmoderna moldeó críticamente la arquitectura de forma triple: brindando una alternativa al proyecto construido; explorando una nueva cultura espacial y visual como plataformas discursivas; y contribuyendo a la extensión del papel del arquitecto más allá de sus límites tradicionales al promover su expansión a otros campos, como los medios de comunicación, el arte, la política o la ciencia.

Como subrayan estudios recientes, este nuevo conjunto de relaciones internacionales y conciencia mediática se transfirió a exposiciones de arquitectura y publicaciones asociadas, extendiendo la imagen de la arquitectura española más allá de nuestras fronteras. Dicha conciencia acabó por activar estos espacios ya sea como aparatos independientes de confrontación y producción de significados, como laboratorios de investigación, o como escenarios de representación.

La presente investigación tiene, como principal objetivo, la creación de un sistema de análisis y diagnóstico, sobre la vivienda colectiva europea basado en la catalogación y mezcla — sampleo — de sus principales condiciones contemporáneas, estableciendo los parámetros desde los cuales nos sea posible generar una herramienta —operativa, abierta y transmisible— desde el ámbito del proyecto arquitectónico. Por ello, estudiamos los 20 años precedentes a la crisis inmobiliaria de 2007, coincidentes con la generación de la Unión Europea y de un mercado y marco legal común europeo. Así, desde 1987 a 2007, trazaremos un mapa argumental cruzando los momentos de aparición de las diferentes oficinas municipales en materia de vivienda pública, los cambios en la legislación sobre dicha producción, y la creación de códigos de la edificación estatales en las cinco principales capitales de Europa objeto de estudio: París, Helsinki, Ámsterdam, Madrid, y Berlín. Los criterios para la elección de estas ciudades responden a la contextualización de las cinco principales condiciones que creemos, abarcan un completo estudio para nuestra investigación, y escenifican respectivamente, las siguientes condiciones: Adaptabilidad, Sostenibilidad, Conectividad, Habitabilidad y Sociabilidad.

El edificio y el vestido son pieles inmediatas habitables que difieren en su escala y en su materialidad pero que hablan lenguajes idénticos con respecto a la relación espacial que comparten con el usuario.

En la era previa a la modernidad, se habían disuelto las bases tradicionales de la moda y de la arquitectura. El arte y la cultura le proponen nuevas vías exploratorias de ordenación persuadidas por una práctica de interacción de nuevas disciplinas. Con la exposición explicativa del medio, se muestra esta maniobra tendente de intercambio y de fusión entre las obras industriales, plásticas, culturales, indumentarias y arquitectónicas.

En la exposición de la obra de Coco Chanel y de Le Corbusier se manifiesta la transcripción de las repercusiones conceptuales del periodo del tiempo expuesto. Se propone una conversación entre Moda y Arquitectura sobre habitaciones accesibles, en la relación entre la producción y el habitar, envases transparentes, en la relación entre forma y espacio interior y materiales habituales que se lleva a cabo con el diálogo entre las obras de Coco Chanel “El Ford de Chanel“ (1926), “Le charming chemise dress” (1916) y “El collar de perlas de Romanov” (1922) y las obras de Le Corbusier:  Pessac (1925), el “Maison Ozenfant” (1922), los Urbanisation de la villa d´alger (1930)

La presente investigación pretende reflexionar sobre la formación y la producción de lo que se ha venido en llamar el Taller de Juan Borchers. El arquitecto y teórico chileno, que da nombre a esta organización, dedicó su tiempo al estudio y a la reflexión crítica sobre las ciencias, las artes y la percepción de la realidad física. En su recorrido vital e intelectual encontramos una gran cantidad de intereses y referentes que contribuyen a configurar una figura poliédrica y compleja. Los objetivos pasan por probar cómo se acaba construyendo un pensamiento arquitectónico a través de la herramienta comunicativa de la carta. Este sistema epistolar genera un método de trabajo que concluye con la elaboración y la utilización de lo que Borchers llama la “Serie Cúbica”. Es voluntad de este trabajo reivindicar el ideario y las enseñanzas del Taller de Juan Borchers, así como generar la inquietud que posibilite el acercamiento hacia su obra y pensamiento.

En un mundo acuciado por el cambio climático, la investigación plantea el concepto de ‘Recarga Termodinámica’: una forma alternativa de operar sobre el patrimonio construido en la cual, frente a los criterios habituales de intervención sobre este, se propone la recuperación y puesta en valor del mismo desde un enfoque termodinámico, reivindicando en el proceso el clima, la memoria o la cultura material como herramientas de intervención.

Dado el variado patrimonio edificado existente, el trabajo se focaliza en el de carácter industrial, buscando responder a la pregunta de cómo puede proyectarse sobre el patrimonio industrial a través de una condición termodinámica. Así, en el proceso se revelarán una serie de estrategias de intervención de carácter ambiental con las que poder proyectar sobre dicho patrimonio en particular y, en última instancia, de cualquier índole en general, consiguiendo así su transformación a todos los niveles: desde lo energético hasta lo funcional, pasando por lo estético, lo espacial o lo simbólico.

De este modo, la investigación se concibe como una tesis especulativa de carácter holístico, propositivo y herramental que reivindica un modelo alternativo y sostenible de intervención sobre lo existente, entendiéndose el catálogo estratégico propuesto como una suerte de ‘caja de herramientas’ a disposición de todos aquellos interesados en aproximarse al proyecto de arquitectura desde un enfoque respetuoso y atento con el medioambiente y la historia.

La tesis se define como una historia ilustrada de pavimentos que reflexiona sobre la condición del suelo como huella fenomenológica, como registro arqueológico y como plano de referencia. El texto aborda el estudio del pavimento como arquitectura de contacto, como arquitectura condensada o en su condición infraestructural; y también en su dimensión espacial, o en su composición formal.

La tesis construye un diálogo comparado entre épocas diversas estableciendo como hilo conductor el pavimento y su relación con el resto de elementos que conforman el espacio arquitectónico. El ámbito de estudio se centra en algunas obras del siglo XX que abarca algunos ejemplos de la modernidad ortodoxa, pero sobre todo algunas obras seleccionadas de la segunda generación del Movimiento Moderno.

El texto analiza cómo el suelo pavimentado se convierte en un elemento que participa en la génesis del proyecto moderno. El suelo pavimentado puede ser considerado como una arquitectura condensada con espacialidad propia ya que se trata de una superficie que, a falta de cobijo, ya presagia un lugar. Esta idea de suelo-espacio, sitúa al plano del suelo pavimentado en una dimensión que va más allá de ser un silente elemento arquitectónico estático.

La tesis aborda, desde una condición fenomenológica, la relación íntima que establecemos con el plano del suelo pavimentado a través del tacto —con los pies, con las manos o con el cuerpo—; pero también a través de la vista y del oído. El suelo nos convoca cada día en su infinita extensión, y a veces olvidamos donde se posan nuestros pies. Los pavimentos desempeñan un papel fundamental en la percepción de un lugar debido a su textura, su color, su espesor, su materialidad, su rugosidad, su sonoridad o su temperatura.

En el texto se defiende la sensualidad táctil del suelo frente a la cultura estrictamente visual que el siglo XX, a través de la imagen, ha intentado imponer. Se pondera la construcción artesanal y popular de los pavimentos frente a la prefabricación industrializada universal. Esta afiliación a lo erótico, a lo imperfecto y a lo áspero, permite un acercamiento desde lo humano, ya que el suelo puede considerarse como una arquitectura de contacto.

La tesis estudia la condición del suelo pavimentado como traza arqueológica. Cada pisada sobre su superficie nos remite a una huella de su memoria, a un pasado reciente; y cada nuevo paso presagia un porvenir inminente, un futuro inesperado. El desplazamiento sobre un pavimento permite reconocerse inmerso en un campo de juego que establece vínculos con el espacio y con el tiempo.

El texto estudia la presencia del pavimento en el espacio imaginado de la pintura, en la fotografía, en la literatura o en el cine; y analiza la evolución de la representación gráfica del pavimento a lo largo de la historia. desde la aparición de la perspectiva en el Renacimiento, los suelos dibujados en el espacio pintado figurativo, hasta los recursos gráficos empleados por los arquitectos de la modernidad, los artistas vinculados al land-art, el expresionismo abstracto o la producción gráfica de la cultura pop de la década de 1960, entre otros.

La tesis se divide en dos bloques. En los diez primeros capítulos (Bloque I. Referentes) se desarrollan reflexiones en torno a temas diversos en relación con el suelo con ejemplos de todas las épocas que exploran diferentes conceptos: huellas y memoria, escala y forma, dibujo y representación, fenomenología y pies, cuerpo y placer, densidad y poder, círculos y paisaje, comunicación y señales, inclinación y naturaleza, y alfombras y superposiciones. En los cinco capítulos finales (Bloque II. Casos de estudio) se analizan críticamente algunos casos de estudio centrándose en algunas obras del siglo XX: Mies van der Rohe y el suelo como plano de referencia, Gio Ponti y el optimismo del color, Carlo Scarpa y las metáforas venecianas, Gunnar Asplund-Los Smithson y los lugares intermedios, y finalmente, Alvar Aalto-Dimitris Pikionis y la arqueología del fragmento.

El formato de la tesis se presenta como un atlas de pavimentos ya que, incluidas entre los ensayos, se intercalarán unas láminas donde una constelación de más de 3000 imágenes (collages), de distintas disciplinas y procedencias, apoyarán, con un lenguaje visual, el discurso teórico y crítico del trabajo de investigación. Por tanto, la tesis se presenta como una memoria crítica visual, un glosario que sirva de guía a quien decida hoy proyectar y construir arquitectura contemporánea.

Frente al enunciado de la arquitectura como el arte del espacio predicado por parte del movimiento moderno a lo largo del siglo XX, la imprescindible circunstancia espaciotemporal propia de la realidad en la que tiene lugar y que es modificada a través de su presencia convierte en inevitable la consideración de la disciplina arquitectónica como práctica conjunta que se desarrolla en el espacio y en el tiempo. Así, en las últimas décadas, distintas aproximaciones han cuestionado la cualidad espacial como criterio único de validación arquitectónica, configurando un cuerpo teórico y práctico que, aunque heterogéneo, coincide en afirmar su indispensable condición espaciotemporal desde una profunda revisión de las nociones de espacio y de tiempo. Entre estas aproximaciones, la aplicación del concepto de cronotopo —enunciado por Mijaíl Bajtín como aquella vinculación indisoluble entre unas relaciones espaciales y unas relaciones temporales asimilada a partir de la forma en la creación artística— se ha utilizado para describir una arquitectura cronotópica donde la forma del lugar surge como una unión inextricable de un espacio y de un tiempo. Entre estas arquitecturas cronotópicas, la obra de Enric Miralles propone superar la relación de subordinación del tiempo al espacio mediante una utilización consciente de esta capacidad de la forma para expresar diferentes condiciones del tiempo en un mismo lugar. Entre sus obras, el proyecto del parque-cementerio de Igualada, diseñado y ejecutado en coautoría junto con Carme Pinós, constituye un ejemplo del empleo de esta capacidad cronotópica de la forma. Partiendo de una interpretación trilógica de la realidad de la forma en el espacio y el tiempo del mundo, de la experiencia, y de la mente, esta tesis doctoral examina su posible circunstancia como cronotopo en el parque-cementerio de Igualada, extrayendo una serie de rasgos que se contrastan con su uso en varias intervenciones artísticas, examinando aquellas consecuencias que su interdependencia ocasiona sobre el propio espacio y sobre el propio tiempo y planteando una respuesta ante la pregunta formulada por Miralles ¿De qué tiempo es este lugar? Una pregunta que, aunque pertinente, no puede tener, sin embargo, una respuesta unívoca en la realidad múltiple de la forma.