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La presente investigación pretende reflexionar sobre la formación y la producción de lo que se ha venido en llamar el Taller de Juan Borchers. El arquitecto y teórico chileno, que da nombre a esta organización, dedicó su tiempo al estudio y a la reflexión crítica sobre las ciencias, las artes y la percepción de la realidad física. En su recorrido vital e intelectual encontramos una gran cantidad de intereses y referentes que contribuyen a configurar una figura poliédrica y compleja. Los objetivos pasan por probar cómo se acaba construyendo un pensamiento arquitectónico a través de la herramienta comunicativa de la carta. Este sistema epistolar genera un método de trabajo que concluye con la elaboración y la utilización de lo que Borchers llama la “Serie Cúbica”. Es voluntad de este trabajo reivindicar el ideario y las enseñanzas del Taller de Juan Borchers, así como generar la inquietud que posibilite el acercamiento hacia su obra y pensamiento.

En un mundo acuciado por el cambio climático, la investigación plantea el concepto de ‘Recarga Termodinámica’: una forma alternativa de operar sobre el patrimonio construido en la cual, frente a los criterios habituales de intervención sobre este, se propone la recuperación y puesta en valor del mismo desde un enfoque termodinámico, reivindicando en el proceso el clima, la memoria o la cultura material como herramientas de intervención.

Dado el variado patrimonio edificado existente, el trabajo se focaliza en el de carácter industrial, buscando responder a la pregunta de cómo puede proyectarse sobre el patrimonio industrial a través de una condición termodinámica. Así, en el proceso se revelarán una serie de estrategias de intervención de carácter ambiental con las que poder proyectar sobre dicho patrimonio en particular y, en última instancia, de cualquier índole en general, consiguiendo así su transformación a todos los niveles: desde lo energético hasta lo funcional, pasando por lo estético, lo espacial o lo simbólico.

De este modo, la investigación se concibe como una tesis especulativa de carácter holístico, propositivo y herramental que reivindica un modelo alternativo y sostenible de intervención sobre lo existente, entendiéndose el catálogo estratégico propuesto como una suerte de ‘caja de herramientas’ a disposición de todos aquellos interesados en aproximarse al proyecto de arquitectura desde un enfoque respetuoso y atento con el medioambiente y la historia.

La tesis se define como una historia ilustrada de pavimentos que reflexiona sobre la condición del suelo como huella fenomenológica, como registro arqueológico y como plano de referencia. El texto aborda el estudio del pavimento como arquitectura de contacto, como arquitectura condensada o en su condición infraestructural; y también en su dimensión espacial, o en su composición formal.

La tesis construye un diálogo comparado entre épocas diversas estableciendo como hilo conductor el pavimento y su relación con el resto de elementos que conforman el espacio arquitectónico. El ámbito de estudio se centra en algunas obras del siglo XX que abarca algunos ejemplos de la modernidad ortodoxa, pero sobre todo algunas obras seleccionadas de la segunda generación del Movimiento Moderno.

El texto analiza cómo el suelo pavimentado se convierte en un elemento que participa en la génesis del proyecto moderno. El suelo pavimentado puede ser considerado como una arquitectura condensada con espacialidad propia ya que se trata de una superficie que, a falta de cobijo, ya presagia un lugar. Esta idea de suelo-espacio, sitúa al plano del suelo pavimentado en una dimensión que va más allá de ser un silente elemento arquitectónico estático.

La tesis aborda, desde una condición fenomenológica, la relación íntima que establecemos con el plano del suelo pavimentado a través del tacto —con los pies, con las manos o con el cuerpo—; pero también a través de la vista y del oído. El suelo nos convoca cada día en su infinita extensión, y a veces olvidamos donde se posan nuestros pies. Los pavimentos desempeñan un papel fundamental en la percepción de un lugar debido a su textura, su color, su espesor, su materialidad, su rugosidad, su sonoridad o su temperatura.

En el texto se defiende la sensualidad táctil del suelo frente a la cultura estrictamente visual que el siglo XX, a través de la imagen, ha intentado imponer. Se pondera la construcción artesanal y popular de los pavimentos frente a la prefabricación industrializada universal. Esta afiliación a lo erótico, a lo imperfecto y a lo áspero, permite un acercamiento desde lo humano, ya que el suelo puede considerarse como una arquitectura de contacto.

La tesis estudia la condición del suelo pavimentado como traza arqueológica. Cada pisada sobre su superficie nos remite a una huella de su memoria, a un pasado reciente; y cada nuevo paso presagia un porvenir inminente, un futuro inesperado. El desplazamiento sobre un pavimento permite reconocerse inmerso en un campo de juego que establece vínculos con el espacio y con el tiempo.

El texto estudia la presencia del pavimento en el espacio imaginado de la pintura, en la fotografía, en la literatura o en el cine; y analiza la evolución de la representación gráfica del pavimento a lo largo de la historia. desde la aparición de la perspectiva en el Renacimiento, los suelos dibujados en el espacio pintado figurativo, hasta los recursos gráficos empleados por los arquitectos de la modernidad, los artistas vinculados al land-art, el expresionismo abstracto o la producción gráfica de la cultura pop de la década de 1960, entre otros.

La tesis se divide en dos bloques. En los diez primeros capítulos (Bloque I. Referentes) se desarrollan reflexiones en torno a temas diversos en relación con el suelo con ejemplos de todas las épocas que exploran diferentes conceptos: huellas y memoria, escala y forma, dibujo y representación, fenomenología y pies, cuerpo y placer, densidad y poder, círculos y paisaje, comunicación y señales, inclinación y naturaleza, y alfombras y superposiciones. En los cinco capítulos finales (Bloque II. Casos de estudio) se analizan críticamente algunos casos de estudio centrándose en algunas obras del siglo XX: Mies van der Rohe y el suelo como plano de referencia, Gio Ponti y el optimismo del color, Carlo Scarpa y las metáforas venecianas, Gunnar Asplund-Los Smithson y los lugares intermedios, y finalmente, Alvar Aalto-Dimitris Pikionis y la arqueología del fragmento.

El formato de la tesis se presenta como un atlas de pavimentos ya que, incluidas entre los ensayos, se intercalarán unas láminas donde una constelación de más de 3000 imágenes (collages), de distintas disciplinas y procedencias, apoyarán, con un lenguaje visual, el discurso teórico y crítico del trabajo de investigación. Por tanto, la tesis se presenta como una memoria crítica visual, un glosario que sirva de guía a quien decida hoy proyectar y construir arquitectura contemporánea.

Frente al enunciado de la arquitectura como el arte del espacio predicado por parte del movimiento moderno a lo largo del siglo XX, la imprescindible circunstancia espaciotemporal propia de la realidad en la que tiene lugar y que es modificada a través de su presencia convierte en inevitable la consideración de la disciplina arquitectónica como práctica conjunta que se desarrolla en el espacio y en el tiempo. Así, en las últimas décadas, distintas aproximaciones han cuestionado la cualidad espacial como criterio único de validación arquitectónica, configurando un cuerpo teórico y práctico que, aunque heterogéneo, coincide en afirmar su indispensable condición espaciotemporal desde una profunda revisión de las nociones de espacio y de tiempo. Entre estas aproximaciones, la aplicación del concepto de cronotopo —enunciado por Mijaíl Bajtín como aquella vinculación indisoluble entre unas relaciones espaciales y unas relaciones temporales asimilada a partir de la forma en la creación artística— se ha utilizado para describir una arquitectura cronotópica donde la forma del lugar surge como una unión inextricable de un espacio y de un tiempo. Entre estas arquitecturas cronotópicas, la obra de Enric Miralles propone superar la relación de subordinación del tiempo al espacio mediante una utilización consciente de esta capacidad de la forma para expresar diferentes condiciones del tiempo en un mismo lugar. Entre sus obras, el proyecto del parque-cementerio de Igualada, diseñado y ejecutado en coautoría junto con Carme Pinós, constituye un ejemplo del empleo de esta capacidad cronotópica de la forma. Partiendo de una interpretación trilógica de la realidad de la forma en el espacio y el tiempo del mundo, de la experiencia, y de la mente, esta tesis doctoral examina su posible circunstancia como cronotopo en el parque-cementerio de Igualada, extrayendo una serie de rasgos que se contrastan con su uso en varias intervenciones artísticas, examinando aquellas consecuencias que su interdependencia ocasiona sobre el propio espacio y sobre el propio tiempo y planteando una respuesta ante la pregunta formulada por Miralles ¿De qué tiempo es este lugar? Una pregunta que, aunque pertinente, no puede tener, sin embargo, una respuesta unívoca en la realidad múltiple de la forma.

Este trabajo de investigación recorre ocho obras de cuatro arquitectos europeos, Dimitris Pikionis, Sigurd Lewerentz, Francesco Venezia y Álvaro Siza, estableciendo análisis y reflexiones sobre cómo las herramientas de la arquitectura son capaces de articular la experiencia temporal que acompaña al visitante. Esa experiencia sobre el tiempo no solo incluye la del propio recorrido que acontece en la visita, sino que se amplia en cada uno de los ejemplos elegidos hacia una expresión temporal que relaciona la obra con su significado. Las herramientas de trabajo de estos arquitectos varían de acuerdo a las ideas que pretenden mostrarnos. En los accesos a la Acropolis y Filipappou, los pavimentos son capaces de narrarnos mediante sus articulaciones la importancia de la historia en la cultura Helénica. En los recorridos de los cementerios de Malmö y Estocolmo existe una intermediación entre el tiempo de despedida a los seres queridos y la propia representación del curso de la vida. En el teatro de Salemi y el museo de Gibellina está presente la memoria de la transformación topográfica producida por la acción de la energía de la tierra. En las obras de Siza, la Escuela de Arquitectura de Oporto y los jardines de Bonaval, los recorridos materializan la propia experiencia perspectiva del arquitecto. La investigación es también un libro sobre viajes y una reflexión sobre la cultura europea que tiene un deliberado interés en mostrar un amplio panorama geográfico, que incluye al paisaje nórdico, tan bien representado por Lewerentz en sus cementerios; la influencia de oriente presente en la obra de Pikionis; la importancia de la tradición Mediterránea en las obras de Venezia y la cultura atlántica presente en la obra de Siza. En estos ocho recorridos se describe el lenguaje narrativo de estos itinerarios y su carácter monumental, estableciendo una continuidad entre historia y territorio. Este trabajo de investigación nos muestra cuánto la narración temporal y su diseño ha impregnado el discurso arquitectónico moderno, mostrándonos algunas de las experiencias arquitectónicas de mayor valor poético de la posguerra.

La tesis se inscribe dentro del debate acerca de ¿cómo iniciar el aprendizaje de la arquitectura?, específicamente, ¿qué tipo de ejercicios utilizar al inicio del primer curso de proyectos? Como punto de partida, se distinguen tres enfoques: el primero, los profesores que utilizan proyectos desde el inicio; el segundo, los profesores que consideran que, antes de iniciar la práctica del proyecto, los estudiantes deben comprender y manejar una serie de principios básicos de diseño y composición visual comunes a varias disciplinas artísticas y proyectuales. La tesis estudia una tercera posibilidad ya explorada de modo fragmentario en ciertas prácticas docentes en los últimos años y que hasta ahora no ha sido investigada a fondo. Se trata de ejercicios de taller elaborados específicamente para la enseñanza de la arquitectura que tienen la particularidad de separarse de la actividad tradicional del arquitecto sin derivar exclusivamente en tareas de composición visual. Como hipótesis se plantea, por un lado, que estos ejercicios están conformados por redes de acciones, interacciones, saberes, herramientas didácticas, espacios y tiempos que facilitan en su interior el desarrollo de conocimientos y habilidades propias de la arquitectura. Por otro lado, que la disposición de sus elementos, sus mecanismos de funcionamiento y sus objetivos se pueden analizar y comprender por medio de la adecuación del concepto de dispositivo a la pedagogía inicial de proyectos arquitectónicos.

La obra de Borromini resulta ser especialmente relevante en relación con el sentido que adquieren algunas categorías formales en su arquitectura que, sorprendentemente, se dejan pensar de la misma manera que en muchas obras de arquitectura contemporánea. A través del uso del pliegue, la inflexión, lo topológico o lo in-forme, descubrimos en la arquitectura de Borromini una cierta negación a determinarse en una apariencia formal concreta. Los principios que rigen la forma, es decir, su estatuto, comparte un mismo sentido con muchas de las obras contemporáneas.

La investigación se desarrolla en torno a la reflexión sobre la relación forma-espacio en la obra de arquitectura, articulada a través de una serie de rasgos significativos. Estos rasgos característicos apuntan todos ellos a una determinada comprensión del espacio como lugar de posibilidad en su sentido más amplio; el uso de determinados recursos vinculados a la inflexión, la expresión de continuidad, el procedimiento metamórfico, el enmascaramiento de lo tectónico mediante simulacros formales o el estatuto de la envolvente como lugar privilegiado de expresión, son rasgos compartidos por ambos periodos. Todos ellos señalan, no tanto a la forma completada, como al lugar-espacio donde esta se determina, su condición de posibilidad. El estatuto o régimen de la forma no parece evidenciar una forma acabada y determinada en plenitud, sino más bien una cierta inestabilidad en su expresión, en su configuración, en su estructura, en sus límites.

La tesis presenta a Walt Disney Imagineering como un equipo multidisciplinar, donde arquitectos, diseñadores, cineastas, sociólogos e ingenieros convergen en una sinergia única, personificando el innovador papel del diseñador ambiental en la actualidad. Estos agentes creativos, mediante la aplicación de procesos técnicos y artísticos, ostentan la facultad de no solo alterar la morfología física de un espacio, sino también de ejercer influencia sobre la percepción y vivencia sensorial del entorno circundante. La investigación se orienta hacia una indagación pormenorizada de la materialización física y ambiental de los espacios destinados al entretenimiento temático, concebidos por Walt Disney Imagineering, con un enfoque meticuloso en los procesos técnicos y creativos que gestaron el emblemático parque temático Disneyland en Los Ángeles.

La primera parte del documento establece un marco teórico que respalda la idea de Walt Disney Imagineering como un paradigma contemporáneo del diseñador ambiental. Comienza con la definición en constante evolución del concepto de diseño ambiental y realiza un estudio crítico del origen y evolución de Walt Disney Imagineering, desde sus humildes inicios como un grupo de cineastas aficionados hasta su transformación en una estructura empresarial multidisciplinaria altamente organizada. Se profundiza en la estructura organizativa, roles y procesos creativos, cuya trascendencia se equipara con el resultado tangible representado en el parque temático, contextualizando simultáneamente la posición de Walt Disney Imagineering y el parque Disneyland en la genealogía de construcciones urbanas y arquitectónicas dedicadas al entretenimiento.

La segunda parte se sumerge en los procesos técnicos arquitectónicos y urbanos aplicados por Walt Disney Imagineering en los parques temáticos. Esta sección analiza tres dimensiones del diseño ambiental en los parques Disneyland. En primer término, se escruta el concepto de dispositivo y su correlación con la mediación en la arquitectura, resaltando la importancia del registro del patrimonio intelectual. En segundo lugar, se exploran los espacios interiores a través de las `dark rides, exponiendo cómo estos lugares aíslan completamente al visitante de su contexto físico y mental, con la finalidad de sumergirlo en narrativas inmersivas. Se examinan los procesos técnicos involucrados en dos dark rides con narrativas dispares. Por último, se exponen conceptos clave que delinean los espacios exteriores y urbanos del parque, detallando las áreas temáticas de Disneyland y desentrañando la infraestructura logística subyacente a la superficie del parque.

Esta sección culmina con un análisis de la conexión entre estos procesos técnicos y la ciudad de Los Ángeles, examinando cómo esta relación ha evolucionado desde la que se concibió el fenómeno hasta la actualidad. Se subraya el impacto de Walt Disney Imagineering en la urbe y su contribución al desarrollo de la experiencia urbana en Los Ángeles a lo largo del tiempo.

Esta tesis doctoral estudia otras formas de abordar el desarrollo de proyectos arquitectónicos (avanzados), basadas en la relación de la disciplina con los diversos cambios tecnológicos que se han sucedido a lo largo de las últimas décadas, incidiendo específicamente en el desarrollo del campo de la computación y su vinculación directa con la arquitectura y con diversos dispositivos arquitectónicos contemporáneos concretos. Relaciona campos que incluyen la arquitectura, la computación, el diseño y sus diferentes historias; los dispositivos, las interfaces y los estudios de ciencia y tecnología (Science Technology Society, STS), entre otros.

La investigación comienza hacia el final de la Segunda Guerra Mundial, fecha que suele ser señalada por la mayoría de las historias de la computación para indicar el comienzo de la computación electrónica (digital), y continua durante las siguientes décadas del siglo XX hasta el inicio del siglo XXI, cuando los campos de la arquitectura y la computación empezaron a entrelazarse conceptual y operativamente. Específicamente se centra en el estudio de los soportes físicos (built artifacts) que ambas disciplinas diseñan y construyen, y en cómo, a través de estos proyectos, ambos campos se retroalimentan, desplegándose a través de una serie de conceptos y estrategias con características comunes. La hipótesis específica de este trabajo y el prisma bajo el cual nos acercamos a todos estos dispositivos tecnológicos contemporáneos arquitectónicos y computacionales, defiende que estos soportes físicos experimentan un proceso de encogimiento (shrinking) literalmente, a medida que avanza su desarrollo técnico. La tesis estudia cómo las arquitecturas de la computación generadas y construidas desde ambas disciplinas vienen sufriendo un proceso de encogimiento, de miniaturización, de decrecimiento, en un sentido amplio y complejo, hasta alcanzar su práctica desaparición física, hoy en día.

Como afirman las arquitectas e investigadoras Olga Touloumi y Theodora Vardouli, los intercambios entre ambas disciplinas han sido bidireccionales desde el inicio de la era de la computación digital. Los conceptos y prácticas emergentes que surgían, por primera vez, en el campo de la informática, comenzaban a influir en el discurso proyectual arquitectónico, al mismo tiempo que las estrategias, los métodos de proyecto y los conceptos espaciales propios de la arquitectura, contribuían a las teorías y a las prácticas de la computación.

Esta investigación tiene como uno de sus principales objetivos examinar varias cuestiones relativas a esta relación bidireccional compleja entre disciplinas, señalada por estas autoras: la arquitectura se ideaba y proyectaba como computación y los computadores se imaginaban y diseñaban arquitectónicamente. Uno y otro campo se codeterminaban, desde sus orígenes.

Igualmente, tal y como estas autoras afirman, no es posible pensar los computadores y la computación sin tener en cuenta el diseño y la arquitectura: los distintos dispositivos tecnológicos computadores adquieren cuerpos y soporte físico a través de decisiones de diseño y su presencia en el mundo está inscrita en espacios, arquitecturas y dispositivos tecnológicos arquitectónicos específicos.

Las historias que relacionan la computación y la arquitectura son tan vastas que es imposible abarcarlas todas bajo una única mirada global. Muchos de estos relatos se han centrado, principalmente, en el estudio de la creación de formas innovadoras, de los nuevos instrumentos digitales utilizados para realizarlas o de las maneras en las que estas herramientas han cambiado la construcción arquitectónica.

Este trabajo plantea un cambio de enfoque: en vez de estudiar espacios, arquitecturas y dispositivos tecnológicos arquitectónicos proyectados y construidos empleando los computadores como instrumentos y herramientas digitales, propone fijar nuestra atención en las estrategias, influencias, ideas y procesos que mediaron en su concepción, y de manera específica, en aquellas relacionadas con el mundo de la computación.

A través del análisis de diversos casos de estudio de prácticas arquitectónicas y computacionales muy diversas y del estudio del trabajo de personas como Eliot Noyes, Ettore Sottsass Jr., Miguel Fisac, Richard Buckminster Fuller, Jay Wright Forrester, Charles y Ray Eames, Wesley Allison Clark, Archigram, Christopher Alexander, Nicholas Negroponte, Steve Jobs, Steve Wozniak, Archizoom, Superstudio, Angela Hareiter, Andrejs Legzdinš, Alan Curtis Kay, Dieter Rams, Sir Jonathan Paul Ive, Toyo Ito, Kazujo Sejima, Ryue Nishizawa o Junya Ishigami se irán encontrando los entrelazamientos y ensamblajes entre estos dos saberes: la arquitectura y la computación.